Cinéma, critiques de films dans les salles de Vénétie : « Lightyear – La véritable histoire de Buzz » et les autres

“Comme avant” de Tommy Weber

Caïn et Abel ou la parabole du fils prodigue. Les ancêtres de cette histoire entre frères qui ne se sont plus parlé depuis dix-sept ans sont nombreux et ils jettent leur ombre sur un road movie qui part de France et arrive à Procida à la fin des années 1950. D’abord sur un 1100, puis sur un corbillard avec un cercueil vide. Le décor historique n’est pas une cage pour ce film dont le succès se reflète dans les visages de ses deux protagonistes : Antonio Folletto, qui incarne André, le frère qui part à la recherche de son frère fasciste alors que son père est sur le point de mourir et Francesco Di Leva , acteur « martoniano » qui ici est Fabio, un fasciste, un ancien Gaelotto mais par amitié, un visage balafré et tuméfié sur un physique important. Les deux sont le bien et le mal coulant l’un dans l’autre, faisant toujours des visages avec une ombre et un passé prêt à émerger, à se gratter, à se séparer, à s’unir. Il n’y a pas de secousses, il n’y a pas de style innovant, mais quelque chose de la direction de Weber vous fait ouvrir les yeux et vous demande de vous arrêter et de réfléchir. Les pauses des deux frères ouvrent surtout un passage dans un récit au dénouement prévisible, avec une dernière carte postale de Procida, la capitale culturelle de 2022, et un dernier bain qui des “400 batailles de Truffaut” marque toujours un -possible – renaissance.
Note : 7. Pour le jeu et le rythme d’un film qui n’est pas nouveau, mais interprété avec insistance par deux comédiens qui incarnent deux personnages aimés pour leurs imperfections.

« Mémoire » d’Apichatpong Weerasethakul

Quel est le rythme du sommeil, quel est le rythme des rêves, quel est le son de notre sommeil et ne pas se souvenir de tout ce qui nous arrive, non seulement quand on ferme les yeux, mais quand on les ouvre de moins en moins au monde être étonné? Apichatpong Weerasethakul est un metteur en scène de silences et de sons, de vide au lieu de plein, de mots longs, prononcés avec une lenteur étrangère à notre quotidien où tout peut se faire rapidement, si nécessaire. Interprétée par l’essence de Tilda Swinton, Jessica traverse l’espace de son inquiétude dans une Colombie fascinante et douloureuse, entourée d’une nature autoritaire et subjuguée par la volonté de l’homme. Son obsession est un son, qu’elle entend la nuit et qui la réveille dans le premier, très long, enregistrement, quand ça n’en a pas l’air, mais le film a déjà commencé et elle se réveille de l’hypnose d’un calme qui ne connaît pas de rafraîchissement. C’est ce son qui la guide dans la première partie du film, l’appelant presque, alors qu’elle déambule en demandant des explications à un ingénieur du son de cinéma, qui le lui mime soigneusement (mais ne l’interprète visiblement pas), comme elle va rendre visite à sa sœur à l’hôpital. , tout en voyageant en voiture en proie à une obsession qu’il ne sait ni concrétiser ni aboutir. C’est au milieu des bois, lorsqu’elle rencontre un homme qui se souvient de tout et semble mort lorsqu’elle lui demande de force de lui montrer comment il dort, que le film prend un autre chemin, encore plus dangereux, mais plein de charme. Où le dialogue entre elle et lui est quelque chose qui se rapproche d’un dialogue possible avec soi-même, avec la mort, avec les soucis qu’on porte avec soi comme une valise dont on ignore le contenu. Le film d’Apichatpong Weerasethakul est une expérience qui pourrait se vivre dans un parcours d’art contemporain, lorsque vous entrez dans une pièce sans savoir ce qui va apparaître à l’écran et que vous êtes fasciné par le rythme hypnotique des images, par le sens ultime qui vous habite, comme le sable après les vagues. On pourrait regarder par bribes, par petits morceaux, du milieu à la fin et recommencer, sans perdre le sens d’une œuvre qui échappe à la logique commerciale et n’obéit qu’à l’inspiration la plus pure. En salles et dès le 5 août sur la plateforme de films de qualité Mubi.
Note : 7,5. Film difficile, intenable parfois, projeté éventuellement en salles, il a un rythme hypnotique et une poitrine de relations entre personnages qui le fait briller parmi les œuvres d’art, surtout pas parmi les films grand public.


“Colline de vision” de Roberto Faenza

L’histoire de Mario Capecchi, abandonné à l’âge de 5 ans par sa mère pour lui sauver la vie pendant la Seconde Guerre mondiale, arrivé en Amérique illettré, sans père et avec une mère qui ne pouvait pas s’occuper de lui à cause des conséquences de la fuite du la vie-mort dans un camp de prisonniers, qui remportera plus tard le prix Nobel de médecine, était déjà un film plein de rebondissements, de pathos, d’émotions, avant même que le réalisateur Roberto Faenza ne s’en passionne. Pendant des années, Faenza a recueilli les histoires de Mario Capecchi, ses souvenirs, avec l’intention de transformer son incroyable histoire de résilience en film. Et comme il arrive souvent quand la réalité a déjà en elle un caractère d’extraordinaire, le film souffre de l’effort pour trouver sa propre voie. Faenza choisit le registre glacé d’une histoire – enfance dans la rue pendant des années sans repas chaud, abandon, arrivée en Amérique et discrimination des pairs – qui méritait peut-être une photo plus griffée, des acteurs moins beaux ou avec des visages. cela rend tout moins crédible. Cela excitera certainement les enfants, qui verront en Mario la possibilité théorique pour n’importe qui de réussir dans la vie, même s’ils partent du plus bas échelon. Mais un film moins “parfait” et plus excitant aurait laissé sa trace. Comme il y a des années, il a également réalisé l’inoubliable personnage de “Jonas qui vivait dans la baleine” de Faenza, vu par un million et demi d’enfants.
Note : 5. L’histoire est trop brillante, le cadre trop parfait, les personnages principaux trop beaux. Un peu de défauts et un peu plus de “vérité” auraient également profité à l’art.

“Le paradis du paon” de Laura Bispuri

Laura Bispuri puise dans les topos du déjeuner familial pour raconter l’affirmation d’elle-même d’une femme âgée, qui a le visage clair et toujours beau de Dominique Sanda. Ce qui ne marche pas dans cette variation sur le thème – dont l’originalité réside justement dans le choix du thème du paon amoureux -, c’est le scénario, trop pauvre par rapport à la fois à celui de l’acteur et à la structure photographique qu’il introduit : il n’y a pas de grand développement , il n’y a pas de rebondissements qui grattent, tout passe par la lenteur vers un dénouement prévisible, avec des blagues qui n’ont aucune influence, n’ont pas de mordant car elles sont trop intéressées à maintenir un équilibre entre la peur de satisfaire le besoin du personnage principal de raconter une nouvelle vie et la peur de la vie des autres, qui succombent entre conventions et échecs. Bispuri a bien conscience de son ascendance – je n’en citerai que deux “La famille” d’Ettore Scola et “Des vacances à la maison” de Jodie Foster – mais en traçant son chemin dans la grande fresque familiale, il perd la justesse du scénario. et le besoin d’un style plus personnel
Note : 5,5. L’idée est intéressante, mais le film flotte à la surface et s’efface instantanément dans la mémoire.

« Lightyear – La véritable histoire de Buzz » par Angus MacLane

Comme l’espace lointain est ennuyeux. Et combien peu d’ironie circule dans les galaxies lointaines. Quel pâle souvenir que le rythme de la saga “Toy Story”, la production phare de Pixar. Dans ce spin-off ou prequel, qui raconte où, par hypothèse, serait né le personnage de l’ami garde de l’espace hébété du shérif Woody, on rit très peu et uniquement grâce au robot minou “Socks”, le seul que l’on retrouve dans un dessin animé ces années et recyclent des années de science-fiction pour adultes, de “Star Wars” à “Interstellar”. Destiné à un public d’enfants qui devraient conduire un merchandising fatigué et de très jeunes appelés à revigorer le sort des vendeurs de pop-corn multiplex, ce film a peu de qualités et beaucoup de défauts. Le pire, c’est l’obsession du politiquement correct, qui imprègne également le monde du dessin animé après avoir enivré les cérémonies des Oscars : le petit ami de Buzz, son supérieur, est gay ; Buzz a tort et tout le film est la justification et la glorification de l’erreur ; il est aidé en cela par une bande de minorités, qui sont ainsi créditées du solde des quotas de leurs cinq minutes de gloire : le forçat âgé, la fille noire, l’homme sans qualités qui ne fait que causer des problèmes. Mais à quel point était-ce plus amusant de se moquer de Ken parce qu’il était un peu stupide et vaniteux ou de M. Ham, un étau ?
Note : 5. Caricature à jeun depuis des mois, toi aussi tu vas chez Buzz, mais tu meurs d’ennui.

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17 juin 2022 (changement 17 juin 2022 | 18:42)

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